Jan Brauer was born in 1985 in Wiesbaden, Germany. After finishing school in 2004, he went for an apprenticeship as media designer, followed by studies of time based media in Mainz and Sound Studies at University of the Arts Berlin. Since 2009 he is founding member of the German music group Brandt Brauer Frick, with international live shows in classical concert venues, as well as electronic music festivals, and everything in between.

With his group, Brauer released five long players and many singles and remixes. In regular project-based collaborations, for example with Venezuelan El Sistema Orquesta in 2020, or director Martin Butler in 2016, when the group wrote an opera titled Gianni at the Deutsche Oper Berlin. Brauer lives in Berlin, where he works as musician, sound designer and -recordist and lately started composing music for theaters such as Berliner Ensemble, Hebbel am Ufer (Berlin) or Theater in der Josefstadt, Vienna.
https://www.brandtbrauerfrick.de/

Based out of Berlin, Germany, electro-acoustic composer and performer Hainbach creates shifting audio landscapes THE WIRE called „One hell of a trip“. Using esoteric synthesizers, test equipment and magnetic tape his music is both abstract yet very much a corporal experience. He has become known for his immersive live performances and recently through his YouTube channel, where he brings experimental music techniques to a wider audience.
www.hainbachmusik.com
www.youtube.com/user/hainbach101
www.instagram.com/hainbach101

Shapednoise is Sicilian producer Nino Pedone who casts sheets of noise, industrial, and hardcore continuum influences to create highly sculptured and colorful sound designs and compositions.
He focuses his research on noises and innovative practices within the production process by exploring textural noise, bass weight, and abrasive transcendence. More specifically, he’s experimenting with unconventional production practices to explore the metamorphosis of sounds when combining unusual timbres, structures, and rhythms.

„His music’s physical in the way that fevers and heartbreak and fear are physical, affecting every sense at once and casting a shadow over every inch of your periphery.“
https://shapednoise.bandcamp.com/

© Leonardo Scotti

Berlin/London based cellist Lucy Railton has been an active performer and music producer and composer for over a decade, releasing albums on Modern Love, Editions Mego – GRM Portraits, PAN (with Peter Zinovieff) and Takuroku. Having emerged from a long-term engagement with classical and contemporary music, these recent works exist between modern instrumentalism, electroacoustic composition, improvisation and expressive musique concrète. Her work often focuses on the sonic potential of her instrument and how it serves her experiments in electronic music production and installation work. Over the years she has engaged with a range of interdisciplinary collaborations including those with Rebecca Salvadori, Peter Zinovieff, Catherine Lamb, Beatrice Dillon, Kali Malone and Kadialy Kouyate, the writer Laura Grace Ford, choreographers Akram Khan and Sasha Milavic Davies and has performed in projects lead by Pauline Oliveros, Iancu Dumitrescu, Mary Jane Leach, Cally Spooner, Matmos and Philippe Parreno. Her involvement with some of these artists and their repertoire has occasioned extensive explorations of resonance, psychoacoustics, synthesis and microtonality, preoccupations that are ever present in her own work.

Throughout her twenties living in London Lucy advocated contemporary and experimental music, working extensively across the scene producing events at the Institute of Contemporary Art and Vortex Jazz Club whilst establishing the 10 year long music series Kammer Klang at Cafe Oto and co-founding and co-directing the London Contemporary Music Festival 2013-2016. Also during this time, Lucy freelanced with the ensembles London Sinfonietta, Britten Sinfonia and Ensemble Plus Minus and regularly performed with the pianist Kit Downes, violinist Aisha Orazabayeva and with many individuals in the London improv scene. She has performed at festivals and venues including Dark Mofo (Tasmania), Blank Forms (New York), Cafe Oto, Borealis Festival, Atonal, Koln Philharmonie, Barbican, Berlin Jazz, Donaueschingen, Sydney Opera House, Rewire, AKOUSMA (GRM), Norbergfestival, Centro de Creación Contemporánea de Andalucía and CTM.

Recently she has been focusing on new collaborations and projects in Berlin, including the James Tenney Festival with the Harmonic Space Orchestra, a touring production of ‘Everything that rises must dance’ a performance devised with Sasha Milavic Davies for 200 female participants, co-composing (with Yair Elazar Glotman) the film score for A24’s forthcoming production “False Positive” and new solo works in spatialized sound.
https://lucyrailton.bandcamp.com/

© George Nebieridze

Yair Elazar Glotman is a composer and a musician based in Berlin.

Glotman trained in both classical music as an orchestral contrabass player and in electroacoustic composition. His current practice is informed by both of these traditions and employs a range of improvisation, extended contrabass techniques, and a special interest in textural and spatial compositions and combining analog and digital processing.

In recent years, Glotman’s focus has been in composition for film and media, alongside regularly releasing and performing his own music. His work for film has included working closely with the influential, late composer Jóhann Jóhannsson, most notably writing additional music for “Mandy” (2018) and co-composing “Last and First Men” (2020). He scored the forthcoming A24 production „False Positive“ together with cellist Lucy Railton. In addition, he has worked with composers Hildur Guðnadóttir, Ben Frost, Geoff Barrow and Ben Salisbury, Dustin
O’halloran and Hauschka, and others. In addition to film and TV, he has composed for dance performances and Opera, most notably designing the Soundtrack for the Royal Opera House in London’s production “Mamzer” (2018) by Na’ama Zisser.

Glotman has released music under his own name as well as under other projects such as KETEV and collaborations with composer Mats Erlandsson and Viktor Orri Árnason. His work has been released on notable labels including Deutsche Grammophon,130701/Fatcat, Bedroom Community, Miasmah and Subtext. He has played at various music and arts venues around the world, including MaerzMusik, KW Institute for Contemporary Art, Volksbuehne, CTM festival, Steirischer Herbst and Atonal festival.
https://yairelazarglotman.com/

© Maximilian Koenig

Lyra Pramuk fuses classical training, pop sensibilities, performance practices and contemporary club culture in what may best be described as futurist folk music. While the American operatically-trained vocalist and electronic musician is perhaps previously best known for her work with musical collaborators such as Holly Herndon and Colin Self, she has just released her critically-acclaimed debut album, Fountain, via Iceland’s Bedroom Community label in March 2020.

Created entirely from her own voice, although often shaped and structured by electronics, Fountain is an emotional, sensual, and devotional journey. The title is derived from her family name, Pramuk, which translates from Czech as ‘well spring’ or ‘fountain.’ Often wordless, these songs evoke a new wholeness sustained by the ritual force of drowning, immersion, cleansing, and bathing – also referred to in the album artwork by acclaimed visual artist Donna Huanca. Fountain plays with the perception of music, rhythms, speech, body, and the relation between technology and humanity, exploring a post-human, non-binary understanding of life and the fragile ecosystems it depends on. The work documents a healing that is still in process, and a full circle-moment that reunited Lyra with her sound engineer twin brother, Ben, for the final mix, which they completed in tandem.

As a vocal activist and member of the queer community, Fountain’s creation also coincided with a personal rejuvenation for its author. Its completion culminated in the live premiere of the album material at Unsound Festival in Krakow in 2019, where she performed through a multi-channel array designed by Ben Frost, opening for Sunn O))) and Roly Porter. A closer collaboration with Frost on a soundtrack for a new film project will be announced in 2021. Her performance at Berghain on 30 January for CTM Festival in her hometown of Berlin offered an even more confident and joyous realization of the album’s song cycle.

Lyra moved to Berlin in 2013 as a DAAD postgraduate study scholarship recipient, following her degree at the Eastman School of Music in New York. Since then, she has also been awarded residencies at Elektronmusikstudion EMS Stockholm, Open Port Club Residency in Tokyo and Sapporo, and Future Music Lab of the Atlantic Music Festival in Maine. Her interests also encompass writing, poetry, and fashion, where she is sometimes called upon as a model. As a performance artist, she has collaborated extensively with Donna Huanca and at events such as Glasgow International and the Rochester Fringe Festival.
https://lyrapramuk.com/

Afriqua (AKA Adam Longman Parker) crafts his mercurial productions with an eye to the future and an ear to the past. At a young age, he straddled the seemingly disparate worlds of classical music and hip-hop, studying piano works while developing his skills as a producer and DJ. Diving into turntablism and b-boy culture, he performed alongside pioneers Jazzy Jay, Grandwizard Theodore, and Grandmaster Caz, formative experiences that evolved into a natural versatility behind the decks.

Born and raised in Virginia, Parker was inspired by the productions of local legends The Neptunes, Timbaland, and Missy Elliot. He went on to study at the Royal Academy of Music in London by day, while receiving the essential nightlife education of institutions like Fabric and Plastic People. He moved to Berlin a few years later, embracing the city’s rich musical offerings.

His early productions as Afriqua caught the attention of independent labels including 2nd Drop Records, Souvenir, and All Inn, where he explored sounds both firmly within the house/techno sphere and unmistakably beyond it. 2017 marked the beginning of an exclusive relationship with R&S Records.

Standout tracks “Soul Correction,” “Chronic Cool,” and his R&S debut “Aleph” have been DJ and crowd favorites alike, and exemplify Parker’s approach to production: weaving deep samples into spacey sonic tapestries, honoring black heritage while propelling it into the future.
https://soundcloud.com/afriqua

Phase Fatale ist das Techno-Projekt des Wahlberliners Hayden Payne.
Seit 2014 hat sich der gebürtige New Yorker einen guten Ruf als
Techno-Innovator gemacht. Zum einen Dank des breiten Spektrums
dystopischer, grobkörniger, Industrial-lastiger Electronics innerhalb
seiner DJ-Sets, andererseits mittels seines tiefen Verständnisses für
Synthese und Sounddesign seiner eigenen Produktionen.

Neben der Veröffentlichung seines Debütalbums auf Hospital
Productions (Redeemer, 2017) und 12″es auf Labels wie Jealous God,
Ostgut Ton und dessen Sublabel unterton, ist Phase Fatale außerdem
Resident im Berliner Berghain als auch im Khidi in der georgischen
Hauptstadt Tiflis. 2018 gründete Payne außerdem sein eigenes Label
BITE.

Phase Fatales scharfe Rhythmik im Kontext seiner DJ-Sets fußt auf
einem breiten Repertoire an neuen und klassischen Referenzen:
düstere Ambient-Drones im Kontrast mit der rohen, wuchtvollen
Dynamik von Industrial und Post-Punk, Cold Wave-Ästhetik kombiniert
mit 4/4-Funktionalität – alles sorgfältig ineinander verwoben mit
starkem atmosphärischen Feingefühl, sorgfältigem und präzisen
Mixing.
https://phasefatale.com/

Jochen Arbeit zog 1980 nach Berlin und war Teil der Kunst- und Musikbewegung Geniale Dilettanten, die ihre Wurzeln im Punk Rock und Dadaismus haben. 1983 wurde Arbeit ein einflussreiches Mitglied der Band Die Haut, mit denen er in Europa und Übersee tourte. Später, 1997, war er dann Mitglied der avant-garde Noise Band Einstürzende Neubauten, dessen Mitglieder er bereits in den frühen 80ger Jahren traf und bei allen nachfolgenden Alben und Tourneen unterstützte. Andere Projekte sind die Berliner Country Band The Jever Mountain Boys, die Soul Band Martin Dean und die Band des Künstlers Martin Eder, Richard Ruin et les Demoniaques. Seit 2006 arbeitet Arbeit mit Tänzerin und Performance Künstlerin Vania Rovisco an dem Projekt Stupid Green. Er kreierte außerdem die Musik für Abraham Hurtado’s Tanzstück I was there. 2009 komponierte Arbeit eine Soundinstallation für eine Ausstellung von Martin Eder’s Kunstwerken in Dresden, arbeitet mit Stupid Green an einer Performance für das 90. Bauhaus Jubiläum am Theaterhaus Jena und präsentierte und komponierte die Musik für Abraham Hurtados Performanceinstallation Die Körper ohne Uns in Murcia, Spanien, und Mexiko-Stadt. 2011 gründete Arbeit die Band AUTOMAT mit Zeitblom und Achim Färber und zusammen nahmen sie diverse Hörspiele auf und spielten in Deutschland auch live. Zur Zeit arbeitet Jochen Arbeit an einer Performance mit Böse Diva Productions und dem finnischen Choreografen Milla Koistinen.
https://neubauten.org/

Khyam Allami is an Iraqi multi-instrumentalist musician, composer, mix engineer and label manager with a formidable and continually growing international reputation. Despite only taking up the Oud – his principal instrument – in his twenties, Allami rapidly became a performer of international renown. His remarkably assured 2011 debut solo album Resonance/Dissonance was widely critically praised and led him to high profile performances across Europe and the Arab world including the BBC Proms (UK), WOMAD (UK), Supersonic (UK), CTM (DE), Incubate (NL) and Irtijal (LB).

Born in Damascus, Syria in 1981 to Iraqi parents, and raised in London from the age of 9, Allami began his musical path by studying the violin for a minor role in the Syrian arthouse film Al-Tahaleb (Rimon Butros, 1990). Following short stints as a violinist in school orchestras in London he moved on to Guitar, Bass and Drums during his teens before continuing on as a Drummer in the metal, post-rock and progressive rock bands Art of Burning Water, Ursa and Knifeworld.

During the US/UK-led invasion and destruction of Iraq in 2003 Allami found himself to be “out of balance” with himself and his history and in 2004 – aged 23 – began to study Oud, Arabic and Iraqi music with Iraqi Oud master Ehsan Emam in London. A year later he enrolled himself into the B.A. Ethnomusicology degree at SOAS, University of London and graduated with a distinction in 2008. After receiving scholarships from SOAS and the British Institute for the Study of Iraq he went on to study for a Masters and continued his research and Oud studies across Istanbul and Cairo with Mehmet Bitmez, Naseer Shamma at Beit al-Oud, Hazem Shaheen and Abdo Dagher. In 2010 he was chosen as the first protege of BBC Radio 3’s prestigious World Routes Academy mentorship scheme which saw perform at WOMAD and London’s Royal Albert Hall broadcast live on BBC Radio 3.

Yuri Landman ist ein Musiker und Erfinder von Musikinstrumenten. Basierend auf vorbereiteten Gitarrentechniken baute er 2001 sein erstes Instrument, um die Ungenauigkeit von Sofortvorbereitungen zu lösen. Er hat experimentelle Instrumente für Acts wie Sonic Youth, Half Japanese, Lou Barlow, Liars, HEALTH, Liam Finn, Kaki King, Melt-Banana, Micachu & The Shapes, The Go! gebaut. Team, das sind Kräfte, Frauen, Rhys Chatham, Tomoko Sauvage und andere…. Neben der Aufführung und Erfindung von Instrumenten ist seine Hauptaktivität die Durchführung von Instrumentenbaukursen und Vorträgen. Seit 2009 hat er über 200 DIY-Instrumentenbau-Workshops in Europa und den USA bei Musikfestivals, Musikhochschulen, Kunsthochschulen, Konzerthallen und Kunsträumen durchgeführt. Im Jahr 2012 veröffentlichten Yuri Landman und Bart Hopkin Nice Noise, ein Buch über Saitenvorbereitungen und erweiterte Techniken für Gitarre. Außerdem entwickelt er motorisierte Klanginstallationen und komponiert für den Tanz. Landman ist regelmäßiger Gastdozent an der Akademie für Popkultur (Leeuwarden NL), Zadkine Pop Academy (Rotterdam NL), PXL Pop Academy (Hasselt BE), TAMK (Tampere FI), FH Joanneum (Graz AU), Aalto Uni (Helsinki FI) und hielt Vorträge und Workshops an der KHM (Köln), der Universität Gent, RAM in London, der Bradford University, der Nantes University, der Salford University (UK), der Sibelius Academy (Helsinki FI) und der Willem de Kooning Academy (Rotterdam NL).
http://www.hypercustom.nl

Seit ihrem frühen Dancefloor 12 „s auf Hyperdub von 2008 und zwei vokal geführten Alben in den Jahren 2010 („North“) und 2013 („News From Nowhere“) sind Darkstar eine einflussreiche Kraft in der britischen Elektronikszene. Nach Kooperationen mit Schauspielerin, Wild Beasts und Zomby veröffentlichten sie ihr drittes Album „Foam Island“, das 2015 auf Warp Records von der Kritik gefeiert wurde. Es war eine äußerst ehrgeizige Platte, die mit der Energie und Begeisterung aller Möglichkeiten, die derzeit der elektronischen Musik innewohnen, gefüllt war, aber auch eine, die von dem damals herrschenden sozialen und politischen Klima geprägt war. Darkstar haben ihr Engagement für die Zusammenarbeit fortgesetzt – die Veröffentlichung von Musik mit Empress Of (XL) und Gaika (Warp), die Zusammenarbeit mit der Regisseurin Lucy Luscombe und Random Acts für Channel 4, die Arbeit an bahnbrechenden Live-Tanz-Performances mit dem Choreografen Holly Blakey (Micah Levi) und die Auswertung des für den Palm d’Or nominierten Kurzfilms Dreamlands“. Daneben arbeitete die Band mit Metal Liverpool, Arts Council England und Harthill Community Centre zusammen, um eine Installation und Performance mit Jugendlichen aus Migrantengemeinden zu kreieren. Die letzte Performance, TRACKBED, wurde im Barbican in London aufgeführt.
http://www.darkstar.ws

Cool und mit einem Hauch von klassischem französischem Chanson hat Marie Davidsons schwerfällige Coldwave, Synthpop und EBM sie zu einem der gefragtesten Talente des Jahres gemacht. Der französisch-kanadische Künstler, der in klassischer Geige ausgebildet wurde, hat sich in der High School stark für analoge elektronische Musik interessiert und ist aus der Schule ausgeschieden, um ein fester Bestandteil der florierenden Underground-Musikszene von Montreal zu werden. Davidsons längstes Projekt, das Duo Essaie Pas, kanalisiert den noirischen Glamour und den wirren mechanischen Groove des Synthesepop der 80er Jahre.
Im Jahr 2012 begann Davidson auch unter ihrem eigenen Namen aufzunehmen und verzichtete auf Laptops und Software zugunsten einer Reihe von analogen Gangsynthesizern, Drum Machines, tragbaren Recordern und Pedalen. Die daraus resultierenden Tracks, die französisch und englisch gesprochenes Wort über spartanische, aber muskulöse Grooves schichteten, wurden auf einem Paar EPs gesammelt, die 2014 über die Indie-Labels Holodeck und Weyrd Son-Perte D’Identité und 2015 über Un Autre Voyage veröffentlicht wurden. Ihr Debüt in voller Länge, Adieux Au Dancefloor, kam im folgenden Jahr an. Das mit der DNA von Techno, Electro, dunklem Italo Disco und Synthpop bedruckte Album passte hervorragend zu Cititrax. In einem Interview mit The FADER enthüllte Davidson, dass der Adieux Au Dancefloor aus einem Stint in Berlin geboren wurde und „eine Faszination für Tanzmusik und Clubkultur so sehr wie ein Ekel davor“ – ein Album, das das destruktive Verhalten der Clubkultur ablehnte, während es in seinen Fetisch für analoges Abschaum spielte. Im Jahr 2018 veröffentlichte sie ihren Nachfolger Working Class Woman auf Ninja Tune und kündigte 2019 ihren offiziellen Abschied von der Clubmusik an, wobei das Publikum darauf wartete, herauszufinden, was sie als nächstes tun wird.
https://soundcloud.com/mariedavidson_official

Der Künstler Colin Self lebt und arbeitet in Berlin. Er entwickelt Musik, Performances und Environments zur Erweiterung von Bewusstsein, einengenden binären Parametern und begrenzter Wahrnehmung und Kommunikation. Colin Selfs Arbeiten wurden bisher an der Niederländischen Nationaloper, dem Issue Project Room, dem Hammer Museum Los Angeles, dem Museum of Contemporary Art in Chicago, The Kitchen New York, am HAU in Berlin und bei weiteren internationalen Festivals und Institutionen gezeigt. 2016 tourte er als Mitglied des Holly Herndon A/V Trios international mit Radiohead. Seine letzte Oper „The Fool“, gemeinsam mit Raul de Nieves geschrieben, wurde 2017 in The Kitchen aufgeführt. Self erhielt das Rhizome Commission Grant-Stipendium für sein Videoprojekt ClumpTV, er ist Queer Art Mentorship Fellow und war 2016 Eyebeam Resident. Er ist Mitbegründer des Queer-Kollektivs Chez Deep und von The Radical Diva Grant, und war Sänger und Performer der Band SSION. Er erlangte 2017 den Titel des Master of Fine Arts an der Bard Milton Avery Graduate School of the Arts und leitet auf internationaler Ebene einen nicht-utilitaristischen Chor. Colin Self ist derzeit Resident Artist bei Etopia für FUGA im spanischen Saragossa und wird Ende 2018 bei RVNG sein zweites Album „Siblings“ veröffentlichen.
http://colin-self.com

Des argentinischen Künstlers Amparo Battaglia kombiniert R&B, Rap, Breakbeat, Pop, Drum und Bass und andere Genres, was zu einer intensiven und nostalgischen Atmosphäre mit schweren Beats führt. In ihren Texten spricht sie über Liebe, Wut und Hass, aber auch über Angst, Dunkelheit und alptraumhafte Erinnerungen. Ihre Musik kann vom einfachsten 4/4 Takt bis hin zu gebrochener experimenteller Percussion mit tiefen, riesigen Pads und Synths reichen, was zu einem einzigartigen und originellen Sound führt. Der heute in Berlin lebende Catnapp stammt ursprünglich aus Buenos Aires, Argentinien. Catnapp wurde 2010 gegründet und verändert und entwickelt sich kontinuierlich. Nachdem sie (2017) ihr eigenes Label „NAPP Records“ gegründet hatte, veröffentlichte sie 2018 die EPs „Fear“ und „No Cover“ auf Monkeytown, gefolgt (2019) vom Album „BREAK“, darunter die Zusammenarbeit mit Modeselektor für „The Mover“. Mit 6 EPs, 4 LPs, 2 Remix-Alben und 3 Singles trat sie unter anderem in Berghain, Boiler Room, Fusion, Melt, Secret Garden Party, Latitude Festival, ARS Electronica auf und wird in diesem Jahr eine ausgedehnte Albumtournee weltweit unternehmen.
https://soundcloud.com/catnapp

Perera Elsewhere (AKA Sasha Perera) is a London-born, Berlin-based musician, producer, songwriter and DJ. Using everything from gritty, indigenous sounds to her own warped vocals or trumpet, oscillat- ing synths or dread-heavy basses, Perera creates soundscapes to house her songs as well as shape-shifting, psychedelic instrumentals. The result sees eerie ambient-blues, avant R&B & extra-terrestrial folk that seamlessly co-exist in the land of ‘elsewhere.‘ She’s received critical acclaim from media outlets such as the BBC, NPR, Pitchfork, Fader & The Guardian. Sasha was songwriter & vocalist of the project Jahcoozi. BBC radio icon John Peel played their first EP and called it ‚pop music from the future’ Sasha bought some basic audio production gear in the mid-00s and started DJing ‚for fun‘ in 2008. Slowly, Ableton changed her life and mindset forever. She has gone on to give audio production workshops for for Ableton Loop & Native Instruments and has co-curated / participated in various music projects in Asia and Africa via the Goethe Institut.
https://soundcloud.com/perera-elsewhere
https://www.pereraelsewhere.com

Lebanese-born producer and DJ Rabih Beaini (formerly known as Morphosis) specializes in grainy, imaginative analogue techno. As Morphosis, Beaini has been crafting away in the nether-regions of the techno underworld since the 90s. Having cut his teeth as a DJ, a move to Italy in 1996 proved the catalyst to start experimenting in the studio.
Beaini’s genuine musical ability and a range of influences—from krautrock to new wave—seep into his inventive, dark, and emotional productions and immersive DJ sets. These influences also find their way into Beani’s productions with the Upperground Orchestra, a multi-headed improvisational ensemble that explores the terrain between electronica, techno, and improvisational jazz. While his productions join the dots between raw, elementary electronica, and jazz, his Morphine label has put forward an equally forward-thinking selection of techno from the likes of Madteo, Hieroglyphic Being, and Anthony „Shake“ Shakir. Beaini served as a producer for a retrospective collection of Buchla synth pioneer Charles Cohen and others of composer Pauline Oliveros, French mechanical-orchestra creator Pierre Bastien, and explosive Indonesian duo Senyawa.
http://www.morphinerecords.com
https://soundcloud.com/rabih

Pan Daijing is an artist and musician from Guiyang. Her raw approach as composer and performer takes many forms: sound, choreography, installation, and storytelling. Soul-baring utterances and sonic, aesthetic outbursts are the main tendons of her practice. Her poetic, uncanny work interweaves vehicles of power and vulnerability, and often oscillates along paradoxical conceptual states and spatial interactions. Since the release of her acclaimed album debut ‚Lack‘ on Berlin based label PAN in 2017, she has also presented multidisciplinary pieces at Kraftwerk, Barbican, Haus der Kulturen der Welt and Hamburg Elbphilarmonie, amongst others.
http://www.pandaijing.com

Black Cracker (Ellison Glenn) is a multi-disciplinary artist working in sound, text, video and installation. After a late graduation he enrolled at the Memphis College of Art in 1996 where he studied fine art with an emphasis in conceptual art and art history. Excelling as an award winning slam poet locally and nationally, he was also a vital activist and educator, mentoring teenagers all over the city from 2000-2009 as Artistic Director of Urban Word NYC (formerly Youth Speaks NYC). In 2004 Black Cracker began exploring music production, collaborating, producing and touring with a number of avant garde groups. He is currently a vocalist in jazz trio Grand Pianoramax and Kiku along side Blixa Bargeld. Black Cracker has released 3 solo albums, and has toured the globe extensively, most recently as the support act for Peaches in Europe and Australia. In 2016, Black Cracker presented his interpretation of Mozart’s Cosi Fani Tutte at the Deutsche Oper. In 2017, he performed at the Museum of New and Old in Hobart Tasmania and at Documenta 14’s opening weekend in Kassel. He created performance installations for Volksbuhne, Tanznacht, NBK Gallery (assisting Peaches) and returned to The Deutsche Oper with his comment on Wozzeck in 2018.

Italian-born Andrea Belfi is a drummer, composer, and experimental musician. Artfully blending the acoustic with the electronic, his performances are equal parts energetic and hypnotic, featuring long-arching soundscapes that are rich and immersive. Belfi’s music pulses on the exploration of deep and mysterious nocturnal spaces. Strikingly atmospheric and replete with vivid timbres, his music is oftentimes rhythmically complex but also pure and reductive. A live performer at heart, Belfi’s music comes to life on stage where he’s built a reputation for electrifying drum solos and off the cuff improvisations. He has collaborated and recorded with musicians like Nils Frahm, Jóhann Jóhannsson, Mike Watt, David Grubbs among others, and he has performed at the likes of Centre Pompidou (Paris), Unsound Festival (Krakow), Barbican Centre (London), Issue Project Room (New York), CTM festival (Berlin). July 2019 sees the release of Andrea Belfi’s next studio EP, Strata, on the London-based label FLOAT.
http://www.andreabelfi.com

Max Boss (along with writer Stine Omar) is one half of Easter, who place the deadpan delivery of riddling rhymes atop synthetic post-Eurodance beats, distilled into stark minimalism. Easter’s sonic identity is bolstered by a playfully clinical visual language – their 15 self-directed music videos show the sophisticated DIY aesthetic they have crafted, equally suitable for laptop screens as in white cubes.
easterjesus.com

Drew McDowall ist ein Komponist und Musiker, der zur Zeit in New York lebt und arbeitet. In den 90ern spielte er bei Coil und trug maßgeblich zu den einflussreichsten Alben der Band bei. Zuletzt präsentierte er seine düster-experimentellen Arbeiten auf internationalen Festivals, wie CTM, Berlin Atonal, Labyrinth, UH Festival, Dark Mofo und Unsound. Zusammengearbeitet hat er mit Hiro Kone, Puce Mary, Croatian Amor, Varg und Rabit. Sein drittes Album The Third Helix wurde im September 2018 auf Dais Records veröffentlicht.
daisrecords.com/collections/Drew-McDowall

Andi Toma ist Gründungsmitglied von Mouse on Mars, eines der einflussreichsten und vielseitigsten Electronic-Projekte aus Deutschland. Seit 1993 haben Andi Toma und sein Bandpartner Jan St. Werner 15 Alben aufgenommen und mit bedeutenden Namen kollaboriert, darunter die New Yorker Musik-Ikone Moondog, The-Fall-Sänger Mark E. Smith und die Avant-Pop-Band Stereolab. Zusätzlich zu Mouse on Mars hat das Duo das Label sonig gegründet, auf dem es experimenteller Musik eine Plattform bietet. Andi Toma, gebürtiger Düsseldorfer, lebt und arbeitet in Berlin.
mouseonmars.com
sonig.com

Ville Haimala ist ein in Berlin lebender Künstler und Producer, der mit Amnesia Scanner große Bekanntheit erlangte, einem Hybrid aus Musik, Performance, Production und Design. Mit Amnesia Scanner veröffentlichte er Alben auf Young Turks und PAN und präsentierte seine Arbeiten im ICA London, HKW Berlin und der Serpentine Gallery Marathon in London. Über Amnesia Scanner hinaus ist Ville als Komponist und Produzent aktiv und arbeitete mit Künstler*Innen, wie FKA Twigs, David Byrne, Holly Herndon und Oliver Laric.
amnesiascanner.net

Born in Flamez ist eine Produzentin und DJ aus Berlin, deren Genre-aufbrechende Produktionen sich zwischen dekonstruierter Clubmusik, Lofi-Pop, Grime und Klassik bewegen. Ihre Tracks erschienen unter anderem auf Infinite Machine, Monkeytown und UnReal. Gearbeitet hat sie mit WWWings, Ziúr und Modeselektor und produzierte für das Noise-Trio Healt aus LA, das sie ebenfalls auf Tour begleitete. Born in Flamez spielte als Support für das kanadische Multitalent OPN in Europa und ko-kuratierte das CTM-Festival 2018.
soundcloud.com/born-in-flamez

Ziúr ist eine Producerin und DJ aus Berlin. Ihr erstes Mixtape /xuːx/ erschien 2015 und enthielt Beiträge von Samantha Urbani und Dev Hynes (Blood Orange) aus Brooklyn und Rapperin MicahTron aus San Francisco. 2016 folgte ihre offizielle Debut-EP „Taiga“, außerdem war Ziúr an dem Remix-Album der Musikerin Peaches beteiligt. Ihr erstes Album „U Feel Anything?“ erschien im Oktober 2017 auf Planet Mu. Ziúr spielte auf den Festivals Unsound, CTM, Lunchmeat, 3hd und trat mit DJ-Größen, wie Kablam, Amnesia Scanner, Patten und DJ PayPal, auf.
http://planet.mu/artists/ziur/

Mentee
BORA
Nancy Drone

Robert Lippok ist ein Avantgarde-Musiker, Visual-Artist und Komponist, der bereits in jungen Jahren Berlins pulsierende Experimental-Szene geprägt hat. Gemeinsam mit seinem Bruder Ronald spielte er in den 80ern in Ostberlin Industrial unter dem Namen Ornament und Verbrechen. In den 90ern bildeten die beiden mit Stefan Schneider das Postrock-Trio To Rococo Rot und veröffentlichten Musik auf den Labels Kitty-Yo, City Slang und Staubgold. Seine Solo-Arbeiten erscheinen seit 2001 auf dem renommierten Label Raster-Noton.
raster-media.net/artists/robert-lippok

Mentee
The Allegorist (Anna Jordan)
Jana Irmert

Lucrecia Dalt ist eine in Berlin lebende Songwriterin. Über Barcelona kam die gelernte Bauingenieurin aus Kolumbien nach Berlin, um nach neuen Sounds zu suchen. Über die Jahre kollaborierte sie mit Künstler*Innen, wie F.S. Blumm, Barbara Morgenstern, Gudrun Gut, Julia Holter, Rashad Becker, Charlotte Collin, Laurel Halo, Julia Holter, NHK’Koyxen und Grégoire Simon. Sie hat fünf Alben und mehrere EPs auf den Labels Human Ear Music, Care of Editions und Syzygy veröffentlicht.
lucreciadalt.tumblr.com

Mentee
Albertine Sarges
Daniela Huerta (AKA Baby Vulture)

Laurel Halo ist eine Avant-Techno-Produzentin aus dem Mittleren Westen der USA, die zur Zeit in Berlin lebt und arbeitet. Ihre exzentrischen und Genre-überschreitenden Produktionen haben sie zu einer der herausragendsten Produzentinnen der letzten Jahre gemacht. Drei Alben und mehrere EPs hat sie über die renommierten Labels Hyperdub, Honest John, Hippos in Tanks und NNA Tapes veröffentlicht. An ihrem letzten Album „Dust“ wirkten Julia Holter, Klein und Lafawnda mit, deren Arbeiten wie die Laurel Halos Spiegel unserer Zeit sind.
laurelhalo.com

Mentee
Baal & Mortimer (Alexandra Gruebler)
xin

Caterina Barbieri ist eine Komponistin aus Italien, die zur Zeit in Berlin aktiv ist. Ihr Debütalbum „Vertical“ entstand zwischen dem Elektronmusikstudion und der Royal University of Music in Stockholm. Seitdem hat sie ihre Musik an verschiedenen Orten präsentiert, darunter The Long Now, MaerzMusik, Atonal, CTM, HKW, Ableton Loop, Moogfest, Mutek, Barbican Centre und Biennale di Venezia 2017. Ihr letztes Album „Patterns of Consciousness“ schaffte es in die Best-of-Listen von Publikationen, wie Fact Mag, The Wire und Boomkat.
caterinabarbieri.com

Mentee
Ionian Death Robes (Abigail Toll)
Maya Shenfeld